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Yasuto Kimura, director
La Serenata nº 6 para dos pequeñas orquestas o Serenata Nocturna KV 239, es una obra escrita por Mozart en 1776, durante su último período en su ciudad natal. Fue compuesta como «música de entretenimiento», posiblemente para alguna reunión de carácter social. En ella se hacen patentes la frescura y elegancia del salzburgués a través del virtuoso diálogo entre cuarteto solista y tutti, recreado en formas y melodías de inmediato efecto que hoy en día siguen cautivando por su frescura, su amable combinación de gracia, elegancia y picardía.
Sus tiempos son:
1. Marcia (Maestoso)
2. Menuetto – Trio
3. Rondeau (Allegretto - Adagio - Allegro)
Primera orquesta: Violín primero, Violín segundo, Viola y Contrabajo
Segunda orquesta: Violín primero, Violín segundo, Viola, Violonchelo y Timbales.
Orquesta Filarmónica de Berlín
Plácido Domingo, director
Entre los "niños prodigio" que en los últimos años han saltado a la fama en los circuitos internacionales de intérpretes "clásicos" ocupa un lugar destacado la violinista norteamericana (de padres coreanos) Sarah Chang, intérprete perfecta tanto de obras de virtuosismo arrebatador que forman parte habitual del repertorio de los violinistas (la Fantasía sobre "Carmen" o Aires Gitanos, ambas de Sarasate), como piezas intimistas que también se han ganado un lugar en el repertorio de todo violinista, como es el caso de la "Meditación" extraída de la ópera "Thais" de Massenet, en el vídeo.
“Thais” fue estrenada en el Teatro de la Ópera de París el 16 de marzo de 1894, con un éxito muy discreto. Al estreno siguieron sólo catorce representaciones. Massenet decidió revisar la partitura e introducirle importantes cambios, reestrenando la ópera en abril de 1898. En esta oportunidad la acogida fue más cálida y exitosa. “Thais”, ahora con otros cantantes, entre los cuales brilló especialmente Lina Cavalieri, comenzaría un camino triunfal, completando 100 presentaciones en 1910 y 500, ya en 1931.
La subida de esta ópera a los escenarios empezó a decaer hacia mediados del Siglo XX, hasta llegar al nivel mínimo de representaciones que hoy se vive. “Thais” ha tenido, claro está, la suerte de perpetuar su nombre gracias al celebérrimo fragmento instrumental con violín solista que se conoce como “Meditación de Thais”.
Cuarteto Fratres
Los tiempos del cuarteto nº 3 son:
I. Prima Parte: Moderato
II. Seconda Parte: Allegro
III. Ricapitolazione della Prima Parte: Moderato - Coda: Allegro molto
(En el vídeo están los dos últimos).
Escribir Cuartetos de cuerda en el siglo XX es una muestra de gran respeto por los clásicos. Los seis que escribiera Béla Bartók forman un corpus tan sólido y profundo que se les ha colocado nada menos que al lado de los de Beethoven.
Bartók escribió tres cuartetos durante su etapa de estudiante. El estilo de estas obras de juventud supone una continuidad en la línea de un Brahms. Más tarde, las ideas musicales de Bartók sufrieron una evolución considerable. En sus cuartetos de madurez se perciben influencias de Liszt, Wagner o Debussy, así como la incorporación de elementos provenientes del folclore magyar.
El Tercer Cuarteto de Béla Bartók se compone de cuatro partes, según el modelo lento-rápido-lento-rápido. La "Seconda Parte" es un Scherzo en 2/4 en forma de Sonata. En su enérgico final, tras la reexposición se accede a la coda, que poco a poco va abriendo camino a una "Ricapitolazione della Prima Parte", si bien lo que se escucha más que una recapitulación es la vuelta a algunas ideas ya expresadas en la primera parte, ahora en un nuevo contexto. Al final del tercer y último movimiento hay una nueva "Coda" que es de hecho una segunda coda de la segunda parte. Pero, lejos de dar por concluida la discusión, este pasaje final termina en un tono amable, revestido de adornos, con lo que se puede pensar que el diálogo entre la fantasía contemplativa y la sonata prosigue hasta el infinito.
Iona Brown, violin
Neville Marriner, director
A mediados de la década de los 1770, la familia Mozart poseía una posición estable y reputada en Salzburgo. En 1773 se habían mudado a una casa más grande y confortable. Su círculo de amistades no sólo se componía de músicos locales sino que incluía respetables señores de profesiones diversas. Hasta se podría decir que más allá de las relaciones profesionales, gozaban de cierto roce con la aristocracia y nobleza local. Sin embargo, el ambicioso Leopold no confiaba en la ciudad. Por un lado, no sentía por parte de ésta el trato privilegiado que quería para sí mismo. Por otro lado, el prometedor futuro que preveía para su talentoso hijo Wolfgang, parecía perderse en el limitado horizonte de esa sociedad de provincias. Por último, es verdad que para ambos tampoco resultaba nada estimulante estar al servicio del mal encarado arzobispo Colloredo.
De ahí la necesidad de los viajes continuados de aquella época: a Viena, a París, a Manheim... a donde quiera que fuera con tal que el joven Wolfgang se colocara al servicio de una buen patrón, en algún centro musical que le permitiera alcanzar la fama y admiración que al padre siempre se le negó. Pero lo único que consiguió Leopold con su ansiosa vanidad, fue que el arrogante Colloredo retuviera su salario una y otra vez a causa de sus frecuentes ausencias.
Seguramente tales retenciones eran sobrellevadas gracias la intensa actividad musical en actos privados en los que participaban. El joven Mozart tenía frecuentes encargos de los nobles locales. Una de las familias con que mejor relación laboral y personal tenían los Mozart, era la del comerciante y burgomaestre de la ciudad, el Señor Siegmund Haffner. De esta relación nacerían algunas de las páginas más vivaces y mejor logradas del genio de Salzburgo.
El 22 de julio de 1776, la hija del burgués, la señorita Elisabeth Haffner contrajo nupcias con el digno y noble señor F. Xavier Späth. Algunos días posteriores al evento, escribiría en su diario Joachim Ferdinand von Schiedenhofen (1747-1823): “después de cenar fuimos agasajados con un concierto de bodas que el Joven Señor Haffner organizó para su hermana Liserl. La música estuvo a cargo de Mozart y tuvo lugar en el jardín Loreto de sus aposentos”.
Schiedenhofen se refería al hijo barón del burgomaestre, el joven Sigmund para quien años más tarde Mozart compondría la célebre Sinfonía K. 385 para celebrar la concesión del título nobiliario que lo convirtió en ”von Imbachhausen”. Este precioso regalo de bodas trasciende con mucho el aspecto funcional que le dio origen. En efecto, tanto por su orquestación, duración, así como por la calidad general de su factura, la obra tiene proporciones monumentales. La orquesta está compuesta por una sección de cuerdas que incluía violas, violines y un violín a solo; los alientos se integraban a su vez por una doble dotación de flautas, oboes, fagotes, cornos y trompetas. Una plantilla sumamente rica que superaba con mucho la paleta orquestal que el maestro salburgués venía empleando incluso en las sinfonías de aquellos años.
Resalta así mismo el interesante trabajo especulativo que Mozart realiza en esta partitura sobre los géneros musicales de su tiempo. En ella, mezcla estilos, recurre a la hibridación de géneros, introduce variantes distintas del mismo tipo de danza, injerta diversos formatos sinfónicos y de concierto, etc. Según la tradición, la ejecución de una serenata debía estar enmarcada entre dos marchas. Mozart compuso para la ocasión también una marcha en Re mayor que conocemos ahora con el número de catálogo K. 249. La noche de marras fue interpretada como preludio a la propia serenata por los mismos músicos a excepción de las flautas que descansan en este movimiento.
La serenata propiamente consta de ocho movimientos los cuales incluyen nada menos que tres minuetos de carácter sumamente variado y un concierto para violín intercalado.El segundo movimiento, Andante, está escrito a manera de lied, con una melodía sumamente cantabile de una dulzura e intimidad tal, que parecen ocultar la naturaleza social de la celebración para el que fue concebida la pieza para producir un ambiente íntimo y refinado.
Les Dissonances
I. Allegro
II. Romanza: Andante
III. Menuetto: Allegretto
IV. Rondo: Allegro
La Serenata para cuerdas en Sol mayor K 525, más conocida como Eine Kleine Nachtmusik (Una pequeña serenata nocturna), es una de las composiciones más populares de Wolfgang Amadeus Mozart. Está fechada en Viena el 10 de Agosto de 1787, coincidiendo con el período de la composición de su ópera Don Giovanni. Sin embargo, no se sabe para quién o por qué la compuso Mozart .
Originalmente constaba de cinco movimientos, de los que sólo se han se han conservado cuatro. Su instrumentación es la de un pequeño conjunto de cámara: dos violines, viola, violonchelo y un contrabajo opcional.
El movimiento inicial es un Allegro de sonata, cuyo primer tema tiene un carácter ascendente muy pronunciado. El segundo tema, más gracioso, está escrito en Re mayor, es decir en la dominante de la tonalidad principal de Sol mayor. La exposición se cierra en Re mayor y tiene repetición. El desarrollo comienza en Re mayor y pasa por Re menor y Do mayor hasta que se asienta en Sol mayor para pasar así desembocar en la recapitulación, repetición de la exposición pero ya con ambos temas en la misma clave.
El segundo movimiento es una Romanza. Está marcado como Andante para que contraste por su lentitud con el movimiento anterior. Su forma es de Sección de rondó, similar a la forma rondó de sonata, en cinco partes (La-Si-La-Do-La). El primer tema (La) es gracioso y lírico. El segundo (Si) es más rítmico que el primero. El retorno del primer tema (La) es seguido de la presentación del tercero, de carácter más oscuro y grave que los dos anteriores. Después de una sección en Do menor, reaparece el primer tema (La) para terminar así el movimiento. La clave está en Do mayor, subdominante de la tonalidad principal de Sol mayor.
El tercer movimiento es un Minueto con su Trío (La-Si-La). De carácter bailable, está escrito en la tónica y es bastante rápido, con un tempo de Allegretto. Comienza con el Minueto (La), al que sigue el Trío (Si), para terminar la repetición abreviada del Minueto (La). La coda lleva a la tónica.
El cuarto y último movimiento también está en forma de sonata. Durante la exposición alternan sus dos temas. En el desarrollo se modula a través de varias claves para terminar en Sol menor. Ambos temas vuelven en la recapitulación y todo termina en la coda, en la cual se recuerda el primer tema.
El quinto movimiento (¿o Segundo?)
En su catálogo personal, Mozart incluyó la obra dispuesta en cinco movimientos. El segundo movimiento de su listado original, un minueto con su trío, se pensaba perdido, pero hace poco el musicólogo Alfred Einstein ha sugerido, sin embargo, que el minueto de la Sonata para Piano K.498a, es en realidad el movimiento perdido. Así, se han efectuado algunas grabaciones en las que se incluye tal pieza, pero aun no hay pruebas definitivas de que Alfred Einstein esté en lo correcto.
La popularidad y el encanto de esta pieza han provocado que sea empleada con frecuencia en publicidad, anuncios de televisión, películas y videojuegos (Mario Bros Arcade, Los Simpsons, etc.)
Otra versión, dirigida ahora por Yehudi Menuhin
El título de Divertimenti fue aplicado por primera vez a colecciones de música vocal e instrumental publicadas en Italia a finales del siglo XVII. Esta terminología se extendió por Austria durante el siguiente siglo. Haydn la aplicó a varias de sus primeras obras para teclado (idea seguida por autores como Georg Christoph Wagenseil), a todos sus cuartetos de cuerda hasta el opus 20 (1772), y a un gran número de obras relativamente ligeras para conjuntos de cuerdas y vientos. Mozart también la utilizó durante su etapa en Salzburgo para tres composiciones para cuerdas y trompas (1772), cinco sextetos de viento, probablemente escritos como música para la cena del arzobispo Colloredo (1775, 1776), y para cinco obras para cuerdas y vientos (1773-1780). En esta última serie, el título de Divertimento parece una indicación especial para composiciones interpretadas a solo, en oposición a serenata, empleada para obras orquestales.
Escritos en Salzburgo en enero de 1772, los Divertimentos K. 136, 137 y 138 de Mozart fueron instrumentados para cuarteto de cuerdas. Las investigaciones sugieren que fueron compuestos en preparación para el segundo viaje de Mozart a Italia. Seguramente tuvieron la intención de ser empleados como un relleno agradable en ocasiones especiales (idea no definitivamente asentada por vía documental, aunque muy posiblemente cierta). Estos y otros Divertimenti, así como numerosas Serenatas y Cassationes fueron escritas para ser interpretadas en fiestas y ocasiones similares como puro entretenimiento de fondo - el hilo musical del siglo XVIII -. Algunos investigadores han determinado también que el titulo Divertimento que figura en el manuscrito no es del puño y letra de Mozart.
De los tres citados, el Divertimento en Re mayor, K. 136 es sin duda el más conocido. Esta obra consta de tres movimientos, según el esquema de sinfonía "a la italiana" rápido - lento - rápido (Allegro - Andante - Presto). En los dos movimientos exteriores, lo más destacado es el virtuosismo que Mozart exige a los violines principales, de modo que en ocasiones se percibe casi como una parte solista de una obra concertante.
Bransle Gay; Bransle de Poitou; Interlude; Pas-de-deux; Coda; Four Duos; Four trios.
Stravinsky revolucionó la historia de la música. Fue el compositor que más contribuyó al desarrollo de la música de vanguardia, ya que puso en tela de juicio los dogmas que reinaban hasta entonces en la composición musical (consistencia armónica, desarrollo métrico y temático) y abrió paso a nuevas formas de experimentación. Por ello se le considera, junto a Bartók, una de las figuras clave de la música del siglo XX.
Stravinsky nació el 17 de junio de 1882 en Lomonosov (Rusia). Su madre era una afamada cantante de ópera y su padre, bajo en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, por lo que Igor viajaba continuamente entre esta ciudad y la casa de Ustilug donde residía la familia. Estudió piano siendo niño, pero sus padres querían que fuese abogado. Por eso en 1901 ingresó en la Universidad de San Petersburgo para estudiar Derecho, y en ella permaneció hasta 1905. Sus conocimientos musicales, debidos a su padre, le facilitaron que pudiera estudiar composición con el gran Rimsky-Korsakov entre 1902 y 1908. Este maestro influyó en sus primeras obras, así como también Debussy, Chaikovsky, Borodin, Glazunov o Dukas.
En 1909 el empresario de los Ballets Rusos, Sergei Diaghilev, se fija en él al asistir al estreno de sus obras “Fuegos de artificio” y Scherzo fantástico” en San Petersburgo. Queda entusiasmado con su composición y le encarga la orquestación de dos piezas de Chopin que serán utilizadas para un ballet coreografiada por Fokine: “Las Sílfides”. También le encargó una partitura original, cuyo resultado sería “El Pájaro de fuego” (1910), en la que se pueden apreciar claramente todas las características que modelan su estilo.
En 1910 Stravinsky se traslada a París con la compañía de Diaghilev, y permanecerá mucho tiempo en Francia desde entonces. Los años anteriores a la I Guerra Mundial viaja por toda Europa. Conoce a Schoenberg en Berlín y escucha su "Pierrot Lunaire". Continúa su colaboración con Diaghilev en varias ocasiones: en 1911 el ballet “Petrushka” y en 1913 “La consagración de la primavera”. Esta última fue estrenada bajo la dirección de Pierre Monteux y Nijinski fue el coreógrafo encargado de darle vida en el escenario; produjo una gran impresión por su gran fuerza, aunque fue duramente criticada. También realiza una cantata y unas curiosas canciones con textos de poesía japonesa y del poeta Balmont. En todas estas obras se puede ya apreciar una clara evolución del estilo del compositor hacia cotas más personales y desligadas de reminiscencias anteriores. Su música se vuelve más rítmica que armónica, y las obras se componen de diferentes bloques unidos sin intermedios que las unifiquen. Los citados cambios se aprecian con claridad en su siguiente ópera “El ruiseñor”.
La guerra le obliga a abandonar Francia y buscar refugio en una zona segura: Suiza. Durante esta etapa su música tiende a recordar su patria. Inspiran sus obras temas sacados de la poesía folclórica rusa. Se puede apreciar en el ballet “Las Bodas” (donde un ritmo mecánico marcado a través de pianos y percusión sirve para dar un sentido ceremonial a la pieza), la fábula “Renard” y, finalmente, la “Historia del soldado” en la que emplea tanto la narración la como música instrumental, pensada para que se realizase mientras la ejecutaba un bailarín. Su estilo vuelve a dar un giro al añadir elementos de la música eslava y rusa.
Tras la guerra, los Ballets Rusos inician una gira por Europa en la que participa Stravinsky, que inicia un periodo de revisión de las formas de la música antigua reinventándola de nuevo e introduciendo material nunca antes desarrollado en moldes clásicos. Así produce una nueva obra para Diaghilev: “Pulcinella” (1920). Pero también se observa este cambio de estilo en su ópera con reminiscencias rusas “Mavra” o en la “Sinfonía para instrumentos de viento”. En esta década de los 20 emplea básicamente los instrumentos de viento, percusión y piano dejando a un lado las cuerdas, aunque vuelve a emplear la plantilla orquestal completa en su ópera “Edipo rey” (1926-27) y sólo instrumentos de cuerda en la que sería su última colaboración con Diaghilev, “Apolo” (1928).
Instalado en Francia, utiliza la orquestación de las obras de Chaikovsky para realizar el ballet “El beso de la hada”. Pero la más característica de todas las obras de esta década sería la “Sinfonía de los Salmos”, perfecta unión entre la música ritual y la tradición cristiana ortodoxa.
En los años 30 Stravinsky se decanta por la música instrumental, en gran parte porque en 1928 muere Diaghilev y se desliga de su compañía de ballet. Compone en esta época obras como el concierto "Dumbarton Oaks” o “Capricho para piano y orquesta”. Tras la muerte de su esposa y su madre, en 1939 decide trasladarse a Estados Unidos junto a su amante desde 1921: Vera Sudeikina. Al año siguiente se casan y se establecen en Hollywood, participando en la música de varias películas (”Sinfonía en tres movimientos”, 1945). Tiene un gran colaborador en la figura de Balanchine, para el que compone los ballets “Orfeo” y “Agon” (1953). En 1945 obtiene la nacionalidad estadounidense. En esta época su música se torna completamente ecléctica, recogiendo influencias que van desde el contrapunto barroco a las más modernas corrientes del jazz norteamericano ('Ebony concerto').
A finales de los 40 se puede observar otra evolución del artista, que vuelve a las raíces con su anteriormente comentado ballet “Orfeo”, la ópera “La Carrera del Libertino”, y una “Misa” de sonoridades casi enteramente medievales. Este medievalismo se debe a la amistad que unió a Stravinsky con Robert Craft, gran admirador de Schönberg y Webern, quien contagió su entusiasmo por ellos al compositor ruso. Esto conmocionó a la crítica, ya que consideraban a Stravinsky y Schönberg como eternos rivales defensores de ideas opuestas, aunque el cambio de actitud del ruso estuvo motivado por la muerte de Schönberg y las ideas que algunos jóvenes compositores estaban desarrollando en Europa. Influido por esta corriente compuso música religiosa como su “Cantata” (1951-52), “Requiem Canticles” (1965-66), el “Canticum sacrum” o “Threni” (1957-58), además de las elegías “A la memoria de Dylan Thomas” y “Elegía por J.F.K.”. De esta época es también el ballet “Agon”.
Stravinsky continuó su trabajo como compositor hasta los ochenta y cinco años, haciendo grabaciones de su música y publicando sus conversaciones con su amigo Robert Craft. Desde 1967 tenía problemas de salud, por lo que en 1969 decidió trasladarse con su esposa a Nueva York. Allí moriría el 6 de abril de 1971. Después fue enterrado en Venecia.
Miembros del Sexteto de Viena
De los instrumentos de viento, la trompa natural fue el más favorecido por Mozart como instrumento solista. Cuatro conciertos y un buen puñado de obras de cámara en las que la trompa tiene un destacado papel dan fe de ello, lo que es debido, sin duda, a la amistad del compositor con Joseph Leutgeb, un virtuoso casi 25 años mayor que él y que fue, no pocas veces, blanco de las burlas bienintencionadas de Mozart.
Sin poder fecharlo de manera precisa, el Quinteto para trompa, violín, dos violas y violonchelo, K. 407 se remonta al segundo semestre de 1782. Consta de tres movimientos (Allegro - Andante - Rondó: Allegro) y en él la trompa resulta ser preponderante para darle vida, pues comparte algunos temas con el violín. Fue una excelente idea de Mozart de utilizar dos violas, en vez del cuarteto de cuerdas habitual, pues ello confiere otro color a las cuerdas que así se adaptan mejor a consonar con la trompa.
En el Allegro inicial, de forma sonata, Mozart no puede evitar burlarse del ingenuo Leutbeg: hacia el final de la exposición hace cesar repentinamente a las cuerdas en su lógica respuesta a la trompa, lo que provoca una desconcertante interrupción del conjunto de los instrumentos. Para acentuar más el efecto de este inocente sabotaje hará participar en la reexposición a todos los instrumentos.
El segundo movimiento, Andante, cuya cadencia final reproduce la primera aria de Belmonte en el Rapto en el Serrallo, es una pequeña joya de expresión, tierna e íntima, en el curso de la cual la trompa y el violín prosiguen un diálogo amoroso profundamente sentido y cuyo diseño melódico anticipa el tercer movimiento, Rondó-Allegro, una página de brillante inspiración dominada por el tema del estribillo.
Maurice Ravel es un músico cuya obra está llena de los más variados reflejos. El impresionismo de Ravel se aprecia especialmente en las suites para piano 'Miroirs' (Espejos, 1905) y 'Gaspar de la noche' (1908) y en la 'Rapsodia española para orquesta' (1908). Su gran talento para evocar épocas pasadas se pone de manifiesto en obras como la 'Pavana para una infanta difunta' (1899), los 'Valses nobles y sentimentales' (1911) y 'La tumba de Couperin' (1917), composiciones todas ellas para piano que posteriormente fueron orquestadas. En la obra para piano 'Juegos de agua' (1902) es evidente su clasicismo, pues posee una estructura de sonata clásica y una textura brillante y virtuosística.
Herbert von Karajan, director
Antonín Dvorák viajó a EE.UU. en septiembre de 1892. Su estancia de tres años en ultramar resultó muy fructífera para él. Este nuevo entorno y el conocimiento de otras culturas, como la indígena, le impresionaron profundamente y le sirvieron de nueva y rica fuente de inspiración.
Dvorák se dedicó intensamente a su trabajo en el Conservatorio Nacional de Música de EE.UU., entusiasmado por el hecho de que la escuela estaba abierta a todos, independientemente del color de piel o de los recursos financieros de los alumnos. Además, aprovechaba cada momento libre para componer. Esta nueva atmósfera e impresiones quedaron plasmadas por Dvorák en la sinfonía "Del Nuevo Mundo", que tuvo su estreno en 1893 en el Carnegie Hall de Nueva York. La obra abunda en hermosos motivos musicales inspirados por la música negra e indígena, así como por la nostalgia por la patria lejana.
Dvorák compuso en EE.UU. también el Cuarteto para cuerdas en Fa mayor "Americano", así como los excelentes "Cantos bíblicos", sobre el texto de los salmos del Antiguo Testamento. El compositor regresó a su patria en 1895. Reanudó su trabajo en el Conservatorio de Praga y comenzó a centrar sus esfuerzos sobre la ópera, impulsado por el deseo de escribir obras comparables a las de Smetana.
Así surgieron las óperas "El diablo y Catalina", "La ondina" y "Armida". Las tres fueron recibidas positivamente por el público. Sin embargo, la mayor fama y popularidad la consiguió la sumamente lírica y poética ópera "La ondina", estrenada en 1901. Compuesta sobre el libreto de Jaroslav Kvapil, "La ondina" abre ante el espectador un mundo mágico, habitado por ninfas, genios de las aguas y hechiceras. Esta obra está considerada como una esencia de la maestría y la invención melódica de Dvorák.
En marzo de 1904, durante la primera presentación de la ópera "Armida", Dvorák se sintió mal y se vio obligado a abandonar el teatro antes de que finalizara la función. Falleció pocos días después, el primero de mayo de 1904, dejando una rica herencia de significado universal.
Thomas Bloch, armónica de cristal
Solistas de la Orquesta Pasdeloup
(Sala Gaveau, Paris)
La armónica de cristal, a base de vasos o de copas, fue un instrumento my popular en Europa hasta 1820. Fue propuesto, a partir de un simple sistema de vasos musicales por Benjamin Franklin. El imaginó una disposición concéntrica de los vasos, sobre un eje horizontal movido por unos pedales que hacían más fácil tocarlos.
En la primavera de 1791, Mozart conoció a una joven ciega, Marianne Kirchgässner, que era una extraordinaria virtuosa del mismo instrumento, por lo que compuso para ella este Quinteto K. 617 para armónica de cristal, flauta, oboe, viola y violonchelo que, a la postre, sería su última obra de cámara.
Claudio Abbado, director
Eugenio Oneguin es una ópera de Piotr Illich Chaikovski (1840 - 1893), dividida en tres actos. El libreto es del propio compositor y K.S. Shilovski, basado en un poema de Alexandr Pushkin del mismo título. Tiene una duración de dos horas y media. El estreno tuvo lugar el 29 de marzo de 1879 en el Teatro Mali de Moscú, pequeño teatro del Colegio Imperial y fue representada por un grupo de estudiantes. El estreno público tuvo lugar el 24 de abril de 1881 en el teatro Bolshoi de Moscú.
En el Acto III, Onegin, que ha estado viajando largo tiempo por el extranjero, reaparece en un salón de San Petersburgo en el que se celebra un baile. Está sonando una cautivadora polonesa, fragmento que se ha hecho célebre por su frecuente interpretación en las salas de concierto, fuera de su contexto operístico.
El Larghetto en re, sublime eclosión de esencia puramente melódica, es equiparable al Adagio del futuro Concierto para clarinete y orquesta. Su atmósfera de refinado nocturno es subrayada por el velo de las sordinas impuesto a los arcos durante todo su desarrollo.
El Quinteto "a Stadler", primera obra en la historia de la música que junta al clarinete y al cuarteto de cuerdas, conoció una magnífica descendencia: Weber, Brahms y Reger. No obstante, la perfección de la obra mozartiana permanece insuperada, pues explota a fondo todas las posibilidades tímbricas y expresivas del instrumento, especialmente en su registro grave que Stadler cultivaba con predilección.
Cuarteto Hagen
Sabine Mayer y el cuarteto Hagen interpretan el Allegro del Quinteto para clarinete en la mayor de Mozart. Conocido como quinteto Stadler por su dedicatario, esta obra representa una de las cimas, no sólo del repertorio para clarinete, sino también del género de la música de cámara. Escrito al final de la vida del compositor, encarna la madurez, la profundidad, la experiencia y, posiblemente, incluso la premonición de un más allá que pronto iba a experimentar Mozart en primera persona.
Resulta significativo que la obra se inspirara en un clarinetista concreto: Anton Stadler, destacado virtuoso, conocido además por su predilección por los instrumentos algo inusuales. Stadler había trabajado con el fabricante de instrumentos Theodor Lotz para desarrollar el clarinete di bassetto (instrumento relacionado con el corno di bassetto), que es un clarinete con el registro grave ampliado para el que Mozart compuso su quinteto. Stadler era, además de hermano en la masonería y amigo íntimo de Mozart, el más grande clarinetista de su tiempo. Con destino a él compuso Mozart el Trío, el Quinteto y el Concierto para clarinete. Semejante encuentro artístico se renovaría exactamente un siglo más tarde, cuando Johannes Brahms compuso sus últimas obras para el clarinetista de la Orquesta de Meiningen, Richard von Mühlfeld.
La música de este ballet fue escrita en 1898 por el ruso Alexander Glazunov, con coreografía original de Marius Petipa y A. Gorsky.
La obra se estrenó en San Petersburgo el mismo año de su creación, y fue puesta en escena por el Teatro Bolshoi en Moscú en 1900. El primer ballet coreografiado por Rudolph Nureyev en el Palais Garnier al ser nombrado director de danza de la Ópera de Paris fue precisamente "Raymonda" .
El argumento de "Raymonda" se remonta a la Edad Media y a sus luchas por el ideal cristiano contra las fuerzas del Islam. Ambientada en la corte del rey de Hungría, incorpora danzas folclóricas y vestuario de ese país. La historia de Raymonda, su protagonista, es la historia de una mujer pretendida y amada por dos hombres de distintas civilizaciones.
Pierre Barbizet, piano
Cesar Franck, nacido en Bélgica (Lieja, 1822), de ascendencia austrogermana, posteriormente nacionalizado francés, es uno de los más valiosos compositores de la llamada escuela moderna, quien junto a Saint-Saëns, Laló, Fauré, Bizet y otros, funda la Sociedad Nacional deMúsica en el año 1871.
Se puede considerar a Cesar Franck como uno de los grandes renovadores de la música instrumental francesa, cuyo arte innovador y personal inunda páginas tan célebres como las del Quinteto con piano, la Sinfonía en Re menor, el Cuarteto de cuerda, las Variaciones sinfónicas para piano y orquesta, o el Preludio coral y fuga para piano solo.
Pese al ambicioso plan trazado por su padre para convertirle en un virtuoso concertista, el espíritu sosegado y tranquilo de Cesar Franck, prevalece ante tales espectativas, llegando a ser en 1872, profesor de órgano del Conservatorio de París, entregándose con autenticidad a su doble profesión de organista y compositor. Esta última faceta creadora aparece en Franck de manera tardía (a los 50 años de edad) pero contundente.
Cesar Franck
Sus enseñanzas fueron pronto bien recibidas y aprovechadas por un ramillete destacadísimo de discípulos entre los que se puede citar a Vicent D’Indy, su más fiel discípulo, Ernesto Chausson, Alberic Magnard, Guillaume LeKeu, Guy Ropaz, Albert Roussel y Henry Duparc.
Estos músicos "del amor", así llamados por Charles Oulmont, pertenecen a este grupo de rasgos franquianos, entre los que se encuentran un fuerte y convencido catolicismo además de un talante riguroso y extremamente perfeccionista.
La sonata para violín y piano no podía ser menos, y obedece a ese lento pero exhaustivo y detallado proceso creador que le lleva a culminar en el año 1886 esta magnífica obra, que ya había sido planeada 27 años antes.
Esta sonata es un verdadero modelo en cuanto al tratamiento de la forma cíclica se refiere. Consiste en exponer un tema principal que reaparece con variantes en cada movimiento. En este aspecto, Franck es sin duda alguna el maestro.
La sonata presenta la tonalidad de La mayor y está toda ella basada en tres células melódicas generadoras que recorren toda la pieza.
Dedicada al violinista belga Eugene Ysaÿe (1958-1931), la obra abre nuevos horizontes dentro del género. Por una parte, se respira en ella un ambiente puramente romántico, heredado del auténtico Lied Alemán, y por otra se percibe esa libertad y flexibilidad casi improvisatoria que la música francesa posee. Con todas estas novedades la sonata está desarrollada en cuatro movimientos:
Primer movimiento (allegretto): es magistralmente presentado en forma de sonata sin desarrollo. Consta de un tema principal que contiene la primera célula melódica de la que se habló anteriormente, cuyo atractivo reside especialmente en su misterioso equipaje armónico (acordes de novena) que viaja acompañado de una gran incertidumbre tonal. Este tema oscila hacia la dominante desde donde arranca la segunda melodía, extremadamente modulante y de verdadera belleza lírica. Tras la reexposición, de nuevo aparece la primera célula melódica, la cual dotada de una enorme fuerza expresiva y sugestiva, se encarga de cerrar felízmente este primer movimiento.
Segundo movimiento (allegro): corresponde a la forma tradicional de primer tiempo. En él se hallan la vehemencia y el vigor de un tema rítmico que abre esta sección.Expuesto por ambos instrumentos (piano primero y violín después) el tema es acompañado por un ornamento dinámico y en tres fases diferentes. Seguidamente, una breve transición construida con material de la primera célula, da paso al precioso segundo tema, auténtica expansión melódica, dispuesto en tres fases dobles, en donde la grandiosidad de la armonía hace de este pasaje uno de los más inspirados y emotivos de esta sonata en concreto y de la música franquiana en general. El desarrollo, bastante largo, comienza con "un recitado quasi lento" que enlaza con un fragmento basado en el segundo tema a partir del cual se suceden continuos cambios de tono, ocasionando interesantes modulaciones que vacilan entre la oscuridad y la luz. Finalmente la reexposición libera de esta vaga atmósfera incierta preparando el tramo final, que constituye esa magnífica subida arriesgada y compleja técnicamente para ambos instrumentos, suponiéndola explosión de todo el material lírico y emocional contenido y expuesto a lo largo de este brillante y genuino segundo tiempo.
Tercer movimiento (Recitativo-Fantasía): es de gran originalidad e inspiración. Sirve de andante y presenta un aroma muy cálido y tranquilo, pero a la vez apasionado. Está pensado a partir de una fantasía propiamente dicha y una melodía compuesta de diversos elementos. La fantasía consta de un doble recitado, que se repite dos veces en función de cambios armónicos sugerentes. Tras este sensual y arrebatado recitativo, se observan pasajes muy libres, casi improvisatorios, desembocando en virtuosas y pletóricas cadencias plagadas de riqueza sentimental. Exquisito pues resulta este recitativo-fantasía, presidido por la magistral manufactura y sensacional calidad expresiva y melódica del maestro belga.
Cuarto movimiento (allegreto mosso):es tal vez el mejor de los cuatro que contiene esta sonata. El tema principal forma un canon perpetuo a la octava, constituyendo además una melodía apreciadísima por su valor emotivo y conmovedor. La disposición estructural de este cuarto movimiento es muy particular, alternando secciones de canon con estribillo y cuplé. De textura muy rica y densa, la escritura de este final es originalísima. También hay que destacar pasajes de gran dificultad ejecutiva, mostrando a veces un sentido ampuloso y brillante que confiere a la pieza la categoría y prestancia que encierra en sí misma. Tímbricamente muy bien lograda, de sonoridad amplia y brillante, Cesar Franck recrea aquí uno de sus máximos exponentes formalmente hablando. Este cuarto movimiento reúne, por tanto, todas las condiciones necesarias para provocar de inmediato en el oyente el impacto, la admiración por la música de calidad.
Se recomienda vivamente la audición de esta bella y magistralsonata para violín y piano, sobre todo a los más jóvenes, cuyo deleite está sin duda garantizado. En Cesar Franck encontrán precisamente la música con mayúsculas.
Orquesta de la New York City Opera
Richard Bonynge, director
La Bohème es la ópera con la que Giacomo Puccini se consagró definitivamente como un gran compositor lírico. Refleja sus propias vivencias durante los años de estudiante en el conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Mascagni.
El libreto se basa en la novela por entregas, "Escenas de la vida bohemia" de Henry Murger, publicada en el periódico "El Corsario" a lo largo de cinco años (1845 - 1849). Los encargados de simplificar y aunar los diferentes episodios de la novela para así confeccionar el libreto fueron Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.
El estreno tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. Mimí fue cantada por la soprano Cesira Ferrani, y el tenor Evan Gorga dio vida a Rodolfo. La orquesta tocó bajo la dirección de Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica.
En 1770 Mozart tiene catorce años cuando compone su primer cuarteto de cuerdas, K. 80, y dedicará buena parte de su obra camerística a este género. Cuando empieza a interesarse por el cuarteto, hace poco tiempo que éste ha aparecido como nuevo género musical de la mano de Joseph Haydn y aún no ha encontrado su forma definitiva, sino que está oscilando entre el divertimento, la serenata y la sinfonía. El joven compositor lo enriquecerá y utilizará en el futuro como modo de exteriorización de sus sentimientos personales.
Los auténticos primeros cuartetos de Haydn (op. 9) datan solamente del año anterior y, sin duda, Mozart no los conocía. De hecho, el ejemplo que aquí sigue es el de Sammartini, tanto en la sucesión de movimientos (Adagio-Allegro- Menuetto), todos escritos en la tonalidad principal de sol, como en la escritura, aún próxima a la Sonata en trío, sobre todo en el primer movimiento.
Anne-Sophie Mutter, violín
Daniel Müller-Schott, violonchelo
Teatro Accademico dei Bibiena de Mantua (Italia)
La obra de W.A. Mozart para violín, violonchelo y piano ocupa, en el conjunto de su obra camerística, un espacio más reducido que la compuesta para el resto de formaciones, hecho que se ha atribuido a que el violonchelo (o su antecesor, el bajo de viola), a finales del siglo XVIII, desempeñaba aún un papel subordinado al instrumento principal, violín, piano o incluso clarinete y otros, lo que hace que esta composición de trío con violonchelo, donde el equilibrio protagonista de los instrumentos es particularmente comprometido, no fuera la más requerida de la época. El bajo, representado por los antecesores del violonchelo, no fue sustituido por el protagonismo de este instrumento en las formaciones de cámara hasta muy avanzado el siglo, y quizás precisamente a partir de las aportaciones de Mozart a esta modalidad camerística.
De esta forma, la composición en trío con violonchelo en la obra mozartiana y la participación plena de este instrumento en los diálogos instrumentales de composiciones como la hoy interpretada, con un equilibrio en el reparto que lo sitúan por primera vez en plano de absoluta igualdad con los demás componentes de la formación, representan para este instrumento el despunte de su papel en el soporte melódico de la obra y su emancipación instrumental definitiva, frente al papel subordinado al que se le venía relegando, como soporte bajo de la composición.
El Trío K.542 (Allegro – Andante grazioso - Allegro) fue compuesto en 1.788, durante un periodo de residencia de Mozart en Viena, tres años antes de la muerte del autor. De esta época son las sinfonías 543, 550 y la Júpiter, siendo igualmente coetánea del estreno de la ópera Don Giovanni, lo que da muestra de la profusión creativa del genio salzburgués y sitúa a ésta (y aún otras obras de cámara para quinteto), en el momento de su máxima producción creativa.
La presente grabación corre a cargo de unos intérpretes que entienden muy inteligentemente las características de los pentagramas. Los tres músicos aparecen aquí magníficamente ensamblados. El violín de Anne-Sophie Mutter es todo finura, elegancia y sabor de un clasicismo lleno de aromas y especias refinadas. Líneas rectas y aquilatadas a las que hacen contrapunto sus dos colaboradores, André Previn –entonces esposo de la alemana– desde el piano y el joven David Müller-Schott al violonchelo.
Elgar dirige y habla con la orquesta en esta grabación histórica, en la inauguración de los estudios de EMI en Abbey Road (Londres, 1931).
Antes de empezar a dirigir, Elgar dice: "Buenos días, señores. Encantado de estar con ustedes. Hoy tenemos un programa muy ligero. Por favor, toquen esta melodía como si no la hubiesen escuchado nunca".
Edward Elgar (1857-1934) es conocido sobre todo por sus marchas de "Pompa y Circunstancia" (1901). Poco después de haberlas compuesto, se le pidió que agregara a la primera marcha el texto de Benson "Oda a la coronación del rey Eduardo VII" . La sugerencia, que se decía proveniente del futuro rey, incluía la idea de adaptar las palabras al extenso tema que forma el trío de la marcha. Contra la opinión de sus amigos, Elgar pidió a Benson que ampliara el texto para permitir incluirlo en la obra. El resultado fue "Land of Hope y Glory", que forma el final de la oda, y que también se publicó, con leves variaciones de letra, como una canción separada.
Su primera obra importante para orquesta, las "Variaciones Enigma" obtuvo un clamoroso éxito. También compuso oratorios, música de cámara, sinfonías y conciertos instrumentales. Fue nombrado Maestro de Música Real en 1924.
Entre 1902 y 1904 Elgar obtuvo un éxito fenomenal al efectuar cuatro visitas a los Estados Unidos, incluyendo una gira como director de orquesta, en la que tuvo importantes ingresos monetarios por la interpretación de su música. Entre 1905 y 1908 fue nombrado profesor de música de la Universidad de Birmingham. Los comentarios que allí hiciera causaron una gran controversia, debido a su crítica de la obra de otros compositores ingleses y de la música inglesa en general. Según decía, "la música inglesa es pálida; evade todo"· La colección especial de la Universidad contiene un archivo de cartas escritas por Elgar.
La Sinfonía nº 1 de Elgar (1908) tuvo cien presentaciones en su primer año, el Concierto para Violín (1910) fue adoptado por el mundialmente famoso violinista Fritz Kreisler, y en 1911, el año de finalización de su Sinfonía nº 2, obtuvo la Orden del Mérito.
El legado musical de Elgar es principalmente orquestal, pero también escribió para solistas y para grupos instrumentales. Su único trabajo para banda, la "Suite Severn", luego arreglada por él mismo para orquesta, permanece como una obra importante en el repertorio de los metales. Sus arreglos han sido interpretados ocasionalmente en el órgano, como la "Segunda Sonata para órgano". La primera sonata -muy anterior (1895)- fue escrita específicamente para órgano en un estilo orquestal, y todavía es interpretada como parte del repertorio romántico inglés para este instrumento.
Este año de 2007 se cumple el 150º aniversario de su nacimiento, por lo que se multiplicarán los actos de homenaje en su memoria. La casa en Broadheath donde nació Elgar es actualmente un museo dedicado a su vida y su música. Su estatua al final de la calle principal de Worcester está frente a la catedral, a escasos metros del lugar donde su padre tenía su negocio de música.
El retrato de Sir Edward Elgar forma parte del billete de veinte libras emitido por el Banco de Inglaterra.
El éxito 'Furious Angels, Clubbed to death' de Rob Dougan, incluído en la banda de sonido de la película "Matrix" (1999), está basado parcialmente en las "Variaciones Enigma".
El rondó (del francés rondeau) es una forma musical basada en la repetición de un tema. En un rondó el tema principal o estribillo (A) suele presentarse tres o más veces. Estas repeticiones se alternan con otros temas musicales o episodios llamados coplas:
A. Tema principal.
B. Primer episodio en otra tonalidad (de dominante o relativo mayor/menor).
A. Repetición del tema principal.
C. Segundo episodio en otra tonalidad
A. Repetición del tema (a veces con coda)
El rondó era una forma muy atractiva para los compositores y los clavecinistas barrocos del siglo XVII y principios del siglo XVIII. Couperin utilizó un tema principal que ocupaba ocho compases y dos o tres episodios más o menos de la misma extensión. En el período clásico, Haydn, Mozart y Beethoven incorporaron el rondó al último movimiento de sus sonatas, conciertos y sinfonías.
Mariss Jansons, director
La condición de Joseph Haydn en aquella inmóvil y sofocante sociedad del Ancien Régime, prácticamente como un siervo más al servicio del Príncipe Esterházy, le imponía, entre otras muchas obligaciones, componer a requerimiento de sus patronos. Además, según contrato, sus criaturas artísticas serían propiedad exclusiva de los Esterházy. En su obligado retiro dorado fue desgranando, con fertilidad sobrecogedora, obras maestras en todos los géneros musicales.
Pese a estar físicamente separado del mundo, Haydn era una toda una celebridad en Europa. Su música se apreciaba mucho y, desde hacía años, sus admiradores coetáneos habían hecho caso omiso de la prohibición principesca de divulgar su música sin su nihil obstat. Excepto unos pocos encargos oficiales, fue profusamente copiada y publicada por doquier sin su consentimiento. Los derechos de autor estaban en pañales.
Sólo al final de su carrera, su vida dio un giro inesperado. Al morir un año después de la Revolución francesa su principal empleador, el príncipe Nikolaus, le sucede su hijo Antal que profesaba escaso interés por los asuntos filarmónicos, por lo que no dudó en licenciar a todos los músicos que su padre, gran melómano, tenía contratados.
De regreso a Viena, el desempleado compositor estuvo sopesando qué hacer. Muchas cortes europeas le pretendieron. El que más cerca estuvo de firmar un contrato con el afable y pulcro Haydn fue Fernando IV de Nápoles pero, ante la perspectiva de un empleo seguro y sin riesgos, se entrometió el violinista y empresario Johann Peter Salomon, radicado en Londres. Éste le propuso una aventura: realizar una gira de conciertos por Inglaterra.
El casi sexagenario Haydn, de origen humilde, sin haber visto nunca antes el mar y falto de toda experiencia en un mundo de profesiones liberales ajeno a la tutela aristocrática, accedió a la propuesta de aquel dinámico representante para sorpresa de sus allegados.
El 2 de enero de 1791 Haydn desembarcó en Londres, conglomerado urbano vasto y cosmopolita que cambió su vida. Era la ciudad más bulliciosa del momento. La actividad de una burguesía local evolucionada la hizo un lugar en que todo lo reclamado por la gente se convertía en negocio. La música no fue excepción. Muchos músicos acudieron allí al calor de las oportunidades empresariales que se presentaban. Un hijo de Bach, Johann Christian, había organizado allí junto a un compatriota la primera sociedad privada moderna de conciertos.
Durante su estancia en Londres Haydn participó en abarrotados conciertos (de pago) en las diversas sociedades de conciertos que competían entre sí en las salas de la Hannover Square, en el King’s Theatre o en el Pantheon Theatre. Se le concedió el doctorado por la Universidad de Oxford y tuvo tiempo de tomar –en su escaso tiempo libre– clases de inglés.
Uno de los resultados de esa estancia en la capital británica es la Sinfonía nº 94, llamada 'La sorpresa' por el inesperado encargo del citado empresario Johann Peter Salomon. Esta obra es la segunda de las doce que son denominadas Sinfonías 'Londres' (93-104).
La música de Haydn suele contener algunas bromas y su Sinfonía nº 94 incluye la que probablemente sea la más famosa de todas: un acorde en fortísimo que sigue a la exposición del tema en las variaciones del segundo movimiento (Andante), que después continúa con su normal desarrollo sin que vuelva a aprecer el efecto.
En 1886 Camile Saint-Saëns escribió una divertida obra instrumental sobre animales en la que aparecen caracterizados leones, gallinas, tortugas, canguros, burros y varios más. El compositor planteó la música como broma para un día de carnaval, así que tiene toques de buen humor por aquí y por allá, como se puede ver y escuchar en este vídeo.
Saint-Saëns era un músico bastante serio de carácter, por lo que prohibió que esta obra humorística se editara mientras él vivía, con excepción de una sola pieza: “El cisne”; sin embargo, al morir dejó escrito en su testamento que “El carnaval de los animales” podía ser impreso por sus editores habituales. Tal vez debamos preguntarnos si Saint-Saëns se imaginaba que precisamente esta obra se convertiría más tarde en la más popular de todas las que escribió.
“El carnaval de los animales, Gran fantasía zoológica” es una obra compuesta por catorce pequeñas piezas. Excepto la última, todas tienen nombres de animales y la música los evoca. Hay que aclarar que el título de una de ellas no es precisamente un animal, pero Saint-Saëns hizo una broma poniendo a los pianistas entre la fauna de esta obra.
Otra de las bromas de “El carnaval de los animales” es que Saint-Saëns tomó prestada música de otros compositores y la puso en un contexto muy distinto del original. Así podremos en "Fósiles" desde una cita de la "Danza macabra" del propio Saint-Saëns, así como dos canciones infantiles, "J'ai du bon tabac" y "Ah ! vous dirai-je, Maman" hasta el aria de Rosina de "El barbero de Sevilla".
Para tocar esta fantasía zoológica se necesitan once músicos; en las primeras trece se combinan algunos de ellos en pequeños grupos, y sólo en la última pieza tocan todos juntos. Los instrumentos requeridos son: Flauta, Flautín, Clarinete, Armónica de cristal, Xilófono , 2 pianos, 2 violines, Viola, Violonchelo y Contrabajo.
En general, las variaciones no son consideradas a la altura de otras obras pianísticas de Mozart. Así, según Perry (Grove 1889), su construcción de las variaciones “no es ni impresionante ni genuinamente interesante”, lo que es una opinión verdaderamente extrema. Los temas elegidos por Mozart suelen ser populares, graciosos, piezas ideales para recital. Una de sus obras favoritas a este respecto fue la K. 354, que consta de 12 variaciones.
El conjunto de variaciones en Do mayor K.265/300e, basadas en la canción popular francesa, “Ah, vous dirai-je, maman” es tal vez el más conocido por el público. La melodía original de esta canción data de 1761 y sobre ella se han compuesto numerosas canciones en otros países.
La obra se inicia con la presentación del tema original, al que siguen doce variaciones en las que no hay indicación de tempo, a excepción de la XI (Adagio) y la XII (Allegro). Se pensaba que había sido compuesta por Mozart durante su estancia en París en 1778, pero el análisis detallado del manuscrito ha llevado a situar la fecha de composición en torno a 1781-82 y fueron publicadas por primera vez en Viena en 1785.
Enlace para descargar la partitura:
http://imslp.info/files/imglnks/usimg/7/70/IMSLP24784-PMLP55775-Mozart_12_Variations_K.265.pdf
La Sonata para piano nº 11 en La mayor, K 331 de Wolfgang Amadeus Mozart consta de tres movimientos:
1. Andante grazioso (Tema con seis variaciones)
2. Menuetto (Minué y trío)
3. Rondo Alla Turca: Allegretto.
No se sabe a ciencia cierta cuándo y dónde la compuso Mozart. Se cree que fue en Viena o Salzburgo alrededor de 1783, aunque también es probable que fuera en París, 1778.
El último movimiento de la sonata, Rondo Alla Turca, es tan popular que suele escucharse por separado. La música del citado movimiento imita el sonido de las bandas de Jenízaros, que estaban muy de moda en la Viena de la época. Otras piezas musicales del momento imitaron también la música turca, incluida la ópera del mismo Mozart Die Entführung aus dem Serail (El Rapto en el Serrallo, K 384).
El término "rondó" deriva del francés rondeau. Tanto en poesía como en música el rondó está basado en la repetición. Un rondó es un movimiento, generalmente de tiempo vivo y de carácter alegre, que presenta de entrada un tema o frase que va a reaparecer, tal cual, al final del fragmento y otras veces a lo largo de él, mientras que entre cada dos apariciones de este frase o tema principal se inserta otro nuevo y distinto. El tema, conocido como estribillo o ritornello, alterna con secciones o estrofas de contraste. Aunque inicialmente, el Rondó constaba de tres repeticiones, Mozart fijó su estructura con arreglo a la fórmula de cuatro repeticiones del estribillo. La fórmula por secciones del rondó final de la Sonata "alla Turca" es:
a b c b a b, es decir que consta únicamente de tres repeticiones y, como suele ser habitual, lleva además una coda o cola conclusiva.
Aunque también se han compuesto algunas obras en un solo movimiento con forma de rondó (el propio Mozart, Saint-Saëns, Roussel, Richard Strauss...), éste es utilizado con bastante frecuencia no sólo como final de sonatas, sino también de sinfonías, conciertos, etc.
Axel Strauss, piano
Après un Rêve (Después de un sueño) es una melodía para voz y piano compuesta en 1877 por un joven Gabriel Fauré. Está escrita sobre un poema de Romain Bussine, poeta francés que era profesor de canto en el Conservatorio de París. A su vez, Bussine realizó la transcripción de un texto italiano anónimo.
La obra forma parte de las Tres Melodías opus 7 del compositor, junto con Hymne (nº 2, Baudelaire) y Barcarolle (nº 3, Monnier), escritas entre 1870 y 1878. También existe una delicada versión para violonchelo y piano debida nada menos que a Pau Casals.
La música instrumental de Franz Peter Schubert (1797-1828) se puede dividir en dos períodos bien diferenciados. El primero se extiende hasta 1820, y toda la producción que a él corresponde puede ser catalogada como "Hausmusik", es decir, “música para interiores domésticos” (no estrictamente música de cámara, puesto que aquí caben también, si sus dimensiones lo permiten, incluso sinfonías). El estilo de este primer período está marcado por una estrecha adhesión a los modelos de Haydn y Mozart. La obra que simboliza la culminación de este primer tramo de su itinerario creativo es camerística –el Quinteto “De la trucha”, de 1819- pero también hay que contar las primeras obras sinfónicas –al menos hasta la Sexta Sinfonía en Do mayor-.
El segundo período arranca de 1820 y se extiende hasta la muerte de compositor. A él pertenecen las obras más importantes: la Fantasía “Wanderer” para piano (1822) -muy interpretada depués por quien sería uno de los apóstoles de la música de Schubert: Franz Liszt-; la Sonata en Do mayor para piano a cuatro manos, conocida como “Gran dúo” (1824); las Sonatas para piano en La menor (op. 143 y op. 42), Re mayor y Sol mayor; los Momentos musicales y los Impromptus. El último año, 1828, es de tal fecundidad que algunos especialistas lo circunscriben por sí solo como un tercer período. Como un otoño grávido, 1828 ofrece una gloriosa muchedumbre de frutos: las tres últimas sonatas pianísticas, el Quinteto en Do mayor con dos violonchelos, la Sinfonía en Do mayor “La grande” y la Fantasía en Fa menor para piano a cuatro manos.
En poco más de treinta años de vida, Schubert alcanza a dejar una herencia espiritual que se revelará fundamental para compositores como Brahms, Bruckner y Mahler. Su originalidad es indiscutible, su potencia lírica inigualada, y su ciencia y rigor arquitectónicos no son en modo alguno inferiores a los de Beethoven, por mucho que Schumann y otros –tan lúcidos por otra parte en destacar el valor del legado schubertiano- señalaran en su generoso lirismo un rasgo feminoide que tal vez lo invalidaba para enfrentar retos de mayor envergadura que los de la miniatura o el lied.
La moderna musicología ha demostrado que no es así. Schubert, el cantor poeta por antonomasia, el que tantas veces no necesitaba del piano para componer, pues podía sentir crecer en su interior la música al mismo tiempo que leía a Goethe, Schiller o Novalis, Schubert, aquél por cuya sangre circula la esencia del melos vienés, no es un universo más restringido que otros, sino simple y felicísimamente distinto.
En este vídeo se puede visionar el fragmento "Un bel di vedremo", perteneciente a la ópera de Giacomo Puccini "Madama Butterfly". En la animación firmada por Jonathan Hills, Cio-Cio San, la protagonista del drama, imagina cómo será el regreso tan anhelado a Japón de su marido americano, el teniente de navío Pinkerton, para quien ella no es más que algo así como una mariposa de colección.
Valery Gergiev, director
Prokofiev conoció al empresario de los Ballets Rusos, Sergei Diaghilev (1872-1929), durante un viaje a Londres en 1914. Éste le encargó la música para un ballet sobre temas del antiguo paganismo ruso. El compositor se puso a trabajar inspirado en temas de la mitología escita. La obra que resultó de ello recibió el nombre de "Ala y Lolly", siendo rechazada por el empresario ruso al considerarla muy "revolucionaria", demasiado próxima al estilo del por aquella época "moderno" Stravinsky y es que, claro está, aun escocían las heridas abiertas con ocasión del estreno de La Consagración de la Primavera. Prokofiev finalmente decidió darle la forma de suite, que es como se interpreta actualmente, con el número de opus 20.
La Suite Escita está cargada de pasajes violentos y visiones fantasmagóricas. La obra termina en un “crescendo” que evoca la salida del sol. La lectura de Gergiev es puro salvajismo. Se muestra muy cuidadoso con los instrumentos de metal y la gran "artillería" de percusión que requiere esta partitura, ya que son los instrumentos que llevan la voz cantante. No juega, como hace Abbado, con las sutilezas tímbricas. Gergiev va a la raíz rusa de las obras, a la raíz de esa leyenda "bárbara". Una lectura muy clara y contundente... quizás demasiado.
Karl Böhm, director
Mozart compuso las sinfonías números 39, 40 y 41, que se conocen como trilogía final, en el verano de 1788, probablemente en el breve plazo de unas ocho semanas. Mozart había compuesto sinfonías incluso en las etapas más tempranas de su carrera, pero la producción en este género relativamente nuevo se concentró en periodos muy concretos.
Es posible que al componer esta trilogía final sin que mediara un encargo, Mozart pensara en organizar veladas públicas de pago con las que asegurar sus finanzas. De hecho, en los tres años siguientes el músico hizo giras de conciertos en Leipzig, Frankfurt y la propia Viena, donde pudieron estrenarse estas obras que devendrían canónicas dentro del clasicismo.
Paul Henry Lang ha llegado a comparar a Mozart con un mago, un mago que, sin dejarse perturbar por la indiferencia recibida y la penosa situación de sus últimos años de vida, cercana ya la hora de la muerte, vacía el saco de los trucos y nos sorprende con sus obras más personales y logradas. ¿Y qué es la música si no magia? Precisamente, la esencia de la sinfonía que se expone hoy como ejemplo no sólo radica en su contenido de grandes ideas, en el sentimiento, o en la perfección de su estructura formal; ni siquiera, en la síntesis de tales aspectos como pudiera parecer. La esencia estriba, como diría Petrarca, en un "non se ché" o, dicho en términos matemáticos, en una suerte de incógnita mágica difícil de despejar en la que el autor contempla su vida, comprendiendo su destino y su final.